El 19 de Marzo de este mismo año, se publicaba el disco “Coup de Grace” de los suecos Treat. Tras más de 15 años, publican un nuevo álbum de estudio.

Treat es uno de esos grupos que tanto sonaron en los ochenta y noventa y que tras estos años de auge del hard rock, silenciaron su existencia.

Pero como nada es para siempre, el nuevo siglo ha hecho que innumerables grupos de aquella oleada resurjan, y este es el caso de los Treat.

Lo cierto es que la sombra de los Europe, grupo al que veneramos, es muy alargada y Treat siempre estuvo un poco a su sombra, aunque calidad y buenas composiciones nunca les faltaron.

“Coup de Grace” reúne 14 nuevos temas,  muy buen hard rock melódico moderno, al que nos tienen acostumbrados estos regresos, después de tantos años de silencio, todos estos grupos vuelven renovados, modernizados y más trabajados, Treat no es ninguna excepción.

La primera canción,  “Prelude: Coup de Grace”, en la cual una voz nos guía hacia un riff de guitarra con el que comienza la segunda canción (“The War is Over”)  y podemos empezar a disfrutar de la buena música.

“Papertiger” y “Roar” conjugan todo lo que ha de tener una muy buena canción, con su comienzo contundente, un estribillo muy melódico y un solo con mucho sentido.

“A Life to Die For” es un medio tiempo que entra con un piano muy suave y poco a poco va subiendo, sin duda alguna uno de los temazos del disco,  el solo casa a la perfección con este estilo de canción imprimiendo sentimiento.

“I´m not Runnin” con un principio duro y con una batería con gran pegada, da paso a una voz oscura y un estribillo muy pegadizo y con grandes coros.

“No way without you” no es tan dura como muchos de los otros cortes, es más rockera, pero no por ello es peor, guitarras más suaves pero de gran calidad.

Podría hablaros de todas y cada una de las canciones, pero es vuestro deber el de sacar vuestras propias conclusiones, es un disco de momentos diversos, con canciones contundentes, otras que se acercan más al rock y algún medio tiempo, pero todas tienen algo en común, y es que poseen una impecable voz y un sonido muy melódico, muy fácil de digerir.

Os invito a que escuchéis este gran disco cuanto antes. Yo no lo dudaría…

Por Mr. Neizan

mrneizan@destinrock.com

¿Qué pueden tener en común Jennifer Lopez con Steve Tyler, o The Product G&B con Tina Turner? Así, de primeras, es posible que sólo os venga a la cabeza que canten, y no vais muy desencaminados. Pero la coincidencia que les junta a todos ellos y a unos cuantos artistas más es que todos aceptaron colaborar en un disco de duetos del guitarrista Carlos Santana.

“Ultimate Santana”, editado en 2007, recoge temas que aparecen en “Supernatural”, “Shaman” y “All That I Am”; por lo tanto, es una oportunidad para tener en un único disco los mejores y más conocidos duetos de Santana con artistas del panorama musical actual.

“Into The Night” fue la canción inédita con la que se presentó el trabajo, y es también la encargada de abrir el disco. Chad Kroeger, vocalista de Nickelback escribe y pone voz a esta sensual canción. A pesar de que este tema no está en ninguno de los tres discos comentados, para el canadiense no era la primera colaboración con el mexicano.

Sensualidad y rock son las dos palabras que mejor resumen las melodías de estos trabajos, y ambas cosas derrocha “Smooth”, segunda canción del disco. La voz y la composición corren por cuenta de Rob Thomas, vocalista del grupo Matchbox Twenty, y la conocimos en año 1999 al editarse “Supernatural”. Los solos de la guitarra antes del estribillo junto con el resto de instrumentos tienen como resultado un tema espectacular.

El sonido se relaja con los punteos que dan comienzo a “María, María” en la que colabora el grupo The Product G&B. A pesar de la aparente relajación, la canción, escrita por Wyclef Jam y el propio Santana, entre otros autores, no pierde nada de fuerza.

“This Boy’s Fire” cuenta con las voces de Jennifer Lopez y Baby Bash, por lo que el resultado es acorde a los estilos de ambos intérpretes, una fusión entre dance-pop-rap que la guitarra de Santana sabe combinar con un muy buen resultado.

A “She’s Not There” le pone voz Grez Walter, pero en el tema destaca la guitarra. El nombre del autor, lo tienes que buscar en el libreto que trae la información de las canciones, puesto que ni siquiera aparece en la parte de atrás del CD. Lo mismo ocurre con la siguiente canción del disco: “Black Magic Woman”. Las voces de este tema son las del propio Carlos Santana y las de Grez Rolie. Pero sin duda, ambas canciones tienen un mayor peso instrumental.

Michelle Branch colaboró con Santana en el disco “Shaman”, precisamente con la canción “The Game Of Love”. Una de las que, además, fueron sencillo del trabajo. La canción, que relata el juego del amor a base de solos y punteos de guitarra, incluso cuando no canta Branch, es una de las más conocidas de los duetos.

“Samba Pa ti” es un clásico del guitarrista mexicano. Y así, como la conoce todo el mundo, sin voz que acompañe a la guitarra es como se encuentra en “Ultimate Santana”. Supongo que el instrumento habla por sí sólo. “Evil Ways” es la siguiente canción, grabada en 1969 y que tampoco es desconocida. En ella vuelve  a tener más importancia la melodía que la voz.

Everlast ponen voz a otra canción sensual, “Put Your Light On”; para dar paso a un tema que apareció en el primer trabajo de duetos. Fher (de Máná) es el encargado de escribir e interpretar “Corazón Espinado”, pero el sonido de guitarra tiene demasiada presencia como para sonar sólo a Maná.

“Why Don’t You & I” fue sencillo del disco “Shaman” y en aquel momento a quien se le escuchaba cantar era a Chad Kroeger. Sin embargo, en este trabajo no canta él, sino Alex Band del grupo The Calling. Las dos voces quedan estupendas en esta canción.

Steve Tyler se encarga de cantar “Just Feel Better” y de dejar su sello personal. Como le ocurre al resto, no se trata de quedar por encima del guitarrista, pero la combinación queda demasiado bien, y la canción no desentonaría mucho en un disco de Aerosmith.

Las tres siguientes canciones son clásicas de Santana. Poca gente no reconoce a estas alturas la melodía de “Europa” o el ritmo de “Oye Como va”. “No one To Depend On” e “Interplanetary Party” también se cuelan en este trabajo a pesar de que los vocalistas no sean tan conocidos.

Esta última canción dejaría un sabor a fiesta si fuera el último tema del disco, pero el guitarrista mexicano ha dejado una sorpresa para el final. Vuelve a sonar “The Game Of Love”… Pero con una voz totalmente diferente a la de Michelle Branch y bastante más roquera: La de Tina Turner. Sin duda, un regalo y una prueba de que las combinaciones de voces y sonidos si se hacen con estilo y con buen gusto pueden sorprender muy gratamente.

Esperanza Sáinz

esperanza@destinorock.com

Con el disco entre manos desde hace más de dos semanas, quería tomarme el tiempo de escucharlo bien y más de una vez para poder opinar objetivamente. Aunque su música siempre me haya llamado la atención y haya escuchado muchos temas suyos, he de decir que no soy seguidora de Janet Jackson como lo soy de su hermano, sino que más bien me he interesado en su trabajo después de sus colaboraciones con Michael, y por lo tanto no he sido tan pendiente de su carrera.

Aunque más completa que su Best Of anterior Design of a Decade 1986-1996, siguen faltando muchos éxitos en esta compilación, que recoge pocos títulos de sus tres últimos álbumes All for you, Control y Janet, y ninguno de los dos primeros Dream Street y Janet Jackson.

A destacar varias colaboraciones, entre ellas Nelly, Q-Tip y Joni Mitchell. Sin embargo, el tracklist también anuncia la participación de Blackstreet en “I Get Lonely” a pesar de que se trate de la versión álbum sin este remix. El segundo CD contiene el duo de Janet con Michael, “Scream”, cuyo vídeo clip es el más caro de la historia alcanzando los 7 millones de dólares y cuyo éxito fue inmenso. Ciertas escenas del clip de la canción inédita que se incluye en este doble álbum, “Make Me”, recuerdan por cierto el video grabado en el 1995. Extrañamente festiva a pesar de haber sido grabada poco después del fallecimiento de su hermano, “Make Me” está ambientado en un fondo futurístico donde Janet se mueve acompañada de 6 bailarines.

Quizás los fans más asiduos encuentren este CD un poco vacío, pero en mi opinión, resume parte de la carrera de Janet y aunque falten éxitos, también se encuentran los ineludibles.

Promoción del álbum con un medley de sus números uno en la 37 entrega de los American Music Awards (22 de noviembre de 2009)

Tracklist Best Of

Disco 1

1. What Have You Done For Me Lately
2. Nasty
3. When I Think Of You
4. Control
5. Lat’S Wait Awhile (Single Remix Version)
6. The Pleasure Principle
7. Diamonds – Herb Albert & Janet Jackson
8. Miss You Much
9. Rhythm Nation
10. Escapade
11. Alright (7’ Video Version With Rap)
12. Come Back To Me
13. Black Cat (Video Mix/Short Solo Single Version)
14. Love Will Never Do (Without You)
15. The Best Things In Life Are Free
16. That’S The Way Love Goes
17. When I Think Of You (David Morales Remix Edit) (Bonus Track solo en version Best Of)

Disco 2

1. If
2. Again
3. Because Of Love
4. Any Time, Any Place
5. Scream – Janet Jackson & Michael Jackson
6. Runaway
7. Got ‘Til It’S Gone – Janet Jackson & Joni Mitchell & Q-Tip
8. Together Again
9. I Get Lonely – Blackstreet & Janet Jackson (anunciado pero inexistente)
10. Go Deep
11. What’S It Gonna Be? – Busta Rhymes & Janet Jackson
12. Doesn’t Really Matter
13. All For You (Video Single Mix)
14. Someone To Call My Lover
15. Call On Me – Janet Jackson & Nelly
16. Feedback
17. Whoops Now (Bonus Track)
18. Make Me

Por Caroline Mervaille, Karo

Parece mentira, pero son 30 años. Sí, señoras y señores 30 años lleva José María Sanz Beltrán, “El Loco”, sonando en la banda sonora de nuestras vidas. Lejos quedan aquellos años 80 en los que un joven alto y algo tímido, subía a un escenario y hacía moverse a tanta gente. Sus comienzos con Carlos Segarra en Teddy Loquillo y sus amigos, más tarde con el mítico grupo que le consagró, Loquillo y los Trogloditas y después en solitario…

Cantando desde Rock and Roll, hasta musicalizando multitud de versos de los poetas más conocidos. Loquillo, a nuestro modo de ver, es una persona sin miedo a nada, inconformista, transgresor y ante todo, un Señor.

Pudimos estar en una firma de discos de su Box Set “30 años / 1980 – 2010”. Esperamos religiosamente las dos horas de cola, lo que denota que la gente aún lo aprecia, y no os vayáis a pensar que allí sólo había gente de 30 ó 40 años, para nada, todas las edades tenían a su representante en la cola esperando su turno.

Hablando del material que nos presenta a modo de Box Set, repasando toda su historia, es simplemente un trabajo redondo, no ha dejado escapar nada. Si hubiese que resumir su carrera, creo que nadie podría mejorar lo que ahora mismo tenemos entre manos, y además nos lo dedicó, ahí es nada.

Se presenta en una elegante caja negra con una foto de sus comienzos. En el interior de la caja encontramos un librito, y lo de librito lo digo porque de tamaño es como un libreto de CD, pero de grosor no está nada mal, sólo os diré que tiene 196 páginas y de tapas duras. El libro está dividido en varias partes, y sirve para presentarnos los CDs y DVDs que le acompañan.

La primera parte es: LOQUILLO – ROCK & ROLL STAR 30 AÑOS / 1980 – 2010. Son 64 páginas de la carrera de Loquillo, desde sus comienzos hasta el día de hoy, intercalada con fotos de estos 30 años.

El primer CD, “EXITOS 1”. Con canciones tan conocidas como “Rock & Roll Star”, “El Ritmo Del Garaje”, “El Rompeolas”, “Quiero Un Camión”… Están las letras de las 21 canciones y le siguen comentarios de Sabino Méndez, Dani el Rojo y Gay Mercader, escribiendo sobre el Loco.

El segundo CD, “EXITOS 2”. Con temas como “Feo, Fuerte Y Formal”, “Cuando Fuimos Los Mejores”, “Arte Y Ensayo”, “Memoria De Jóvenes Airados”… De nuevo nos encontramos con las letras de las 19 canciones y esta vez Dario Vico e Igor Paskual le dedican unas palabras.

El tercer CD, “DUETOS”. Tal y como su nombre indica, canta con amigos, con Carlos Segarra “Un Hombre Puede Llorar”,  con Aurora Beltrán “Candy Baby (Candy)”, junto a Jaime Urrutia, Andrés Calamaro y Enrique Bunbury “Dónde Estás”… Un total de 20 canciones.

El cuarto CD, “POETAS”. Poemas que Loquillo ha convertido en canciones, como “Central Park” poema de Octavio Paz, “Pregunta Más Allá” poema de Pedro Salinas, “Vientos Del Pueblo” de Miguel Hernández… Son 19 canciones poemas.

Y para acabar con el soporte de audio que nos presenta en esta Box Set, tenemos el quinto CD, “INÉDITOS Y RAREZAS”. No explicaremos de que va este disco, porque su nombre habla por si solo, “Simpatía Por Los Stones” (Remix), “Un Fogonazo”, “Que Tinguem Sort”, “Cadillac Solitario” (con trompeta, violín y cello)… Son 20 canciones.

Respecto a los DVDs, en el primero encontramos sus “VIDEOCLIPS”, donde hay la friolera de 42 videos, ahí es nada, desde “Cadillac Solitario” hasta “Con Elegancia”, “Rock & Roll Star”, “El Hombre De Negro”…

Y por último vienen dos DVDs, “ARCHIVOS TVE”. El primero incluye los programas donde ha actuado Loquillo, como en Musical Express (1981), La Bola de Cristal (1984), El Bigote de Babel (1987)… Intervención en 9 programas desde el año 1981 hasta 1987. El siguiente DVD contiene el documental dirigido por Carles Prats, “Leyenda Urbana Redux”, documental como no, sobre Loquillo.

En cada una de las ya mencionadas partes hay fotos, las letras de las canciones y comentarios de distintas personas que quieren rendir un homenaje al Loco.

Como podéis ver, creo que este material resume muy pero que muy bien una carrera de 30 años, así que ya sabéis, comprad uno de estos ejemplares. La excusa de que es muy caro, no cuela, porque son 5 CDs y 3 DVDs, es mucho material y muy bueno.

Por Mr. Neizan

mrneizan@destinorock.com

Su último disco “Last Look At Eden” es un equilibrio entre potencia y melodía.

El LP abre con “Prelude”, un tema instrumental que crea un ambiente épico y enlaza directamente con la segunda canción, “Last Look At Eden”,  un tema con guitarras duras.

En este trabajo no escasean las canciones donde la guitarra de John Norum presenta unos acordes y unos riffs  pesados, dotando a las canciones de fuerza, como en “Catch That Plane”, “Gonna Get Ready” y “The Beast”…, esta última con un cambio en el ecuador de la canción que pocos se podrían  imaginar al empezar a escucharla. En realidad casi todo el disco presenta este tipo de guitarras, con unos solos de guitarra afilados y que no pecan de cortos.

En el disco hay cabida para temas más tranquilos. “In My Time”, con tintes de Blues y repleta de solos. Joey Tempest la interpreta de manera increíble al igual que la tranquila “New Love In Town”, la balada del disco, perfecta melódicamente y con un solo lleno de sentimiento.

No puedo destacar las virtudes de cada canción, porque todas tienen todos los puntos fuertes que Europe podría haber dado. Ian Haugland tiene una pegada brutal con la batería durante todo el CD, John Leven marcando con el bajo a la perfección, Joey Tempest sacando su voz de los Domingos y John Norum de quien ya hemos hablado anteriormente. Me gustaría hacer una mención especial para Mic Michaeli, que tiene en todo este trabajo una presencia inmensa, mucho más que en trabajos anteriores, es un gran acierto. Sus teclados y sintetizadores enriquecen a las canciones de una atmósfera impresionante.

Todo lo dicho anteriormente, lo podría resumir en una canción,  “No Stone Unturned”, a mi parecer, el temazo del disco. Lo tiene todo, todos dan lo máximo en él, de nuevo recalco la tarea de los sintetizadores de Mic en este corte. No sé para vosotros, pero yo me quedo con esta canción, y eso que está difícil elegir dentro de este álbum tan redondo.

“Last Look At Eden” se puede conseguir en tres ediciones. La normal, el CD con los 12 temas. La edición de coleccionista, que ha de tener todo buen amante de las ediciones especiales. Se presenta en Digipack, con el tamaño de un Single de los vinilos de 7”, ya que hay uno, de color rojo (Red Vinyl), con dos cortes,  “Sign Of The Times” y “Start From The Dark” de Paris 2005. Esta edición incluye el disco con los 12 temas en el típico sobre de cartón y el libreto, y para concluir, en la portada están las cinco firmas del grupo. Y por último la  Edición Limitada, se presenta en Digipack, con los 12 temas y dos Bonus tracks, “Yesterday´s News” y “Wake Up Call”.

Posiblemente, el mejor disco del año 2009. Yo le quitaría el “posiblemente”.  Para mí sí que es el mejor disco del año 2009, ¿Y para vosotros?

Por Mr. Neizan

mrneizan@destinrock.com

Desde el pasado martes, figura ya entre mis manos el álbum The Circle, último trabajo de Bon Jovi, un álbum que cierra esta década tremendamente prolífica en discos y giras que nos ha dejado trabajos de estudio como este mencionado The Circle, Crush (2000), Bounce (2002), Have A Nice Day (2005) y Lost Highway (2007) junto con un recopilatorio de temas en directo (One Wild Night Live 1985-2001) un cuanto menos curioso proyecto denominado This Left Feels Right (2003) y un Box set conmemorativo del 20 aniversario titulado 100.000.000 Bon Jovi Fans Can’t Be Wrong… (2004) Si a todo esto le añadimos la ingente cantidad de conciertos que han dado desde la publicación del álbum Crush, podemos certificar sin lugar a ninguna duda que esta ha sido la década en la que la banda ha tenido mayor presencia musical en toda su historia desde que naciera allá por el ya lejano 1984.

Pero como ya he mencionado antes, este The Circle es el álbum que cierra todo este ciclo, un álbum en el cual se prometía por activa y por pasiva un retorno al rock (si es que alguna vez lo abandonaron…) por parte de la banda. Evidentemente no era la primera vez que se escuchaban declaraciones semejantes, por ejemplo cuando se publico el álbum Bounce o Have A Nice Day. Este tipo de declaraciones, aunque provocasen cierto escepticismo en un gran número de fans, en realidad también provocaban el efecto que al menos en el mundo de los videojuegos se denomina “hype”, es decir, crear una inusitada expectación en torno a un trabajo aun por aparecer con declaraciones, pequeños fragmentos, que no hacen sino aumentar el ansia de tener en las manos el ya tan cacareado nuevo trabajo. Por supuesto, pese al escepticismo antes comentado, es inevitable que en muchos la imaginación volara y a su mente acudieran grandes himnos del pasado, temas como “Keep The Faith”, “Born To Be My Baby“, “Hey God”, “I Believe”… y tantos y tantos otros que forman parte ya de la gran leyenda de esta banda, temas que son tanto su mayor logro como su mayor enemigo pues al hablar de una banda como Bon Jovi, con ya 25 años de carrera a sus espaldas, supongo que es inevitable comparar aquello que hacen nuevo hoy con aquello que hicieron antaño, los nuevos temas aun por cuajar en el colectivo común general con aquellos que, en muchos casos (y muchos de ellos con razón por supuesto) están ya incluso mitificados y elevados algunos a la categoría de obras maestras. Creo que muchas veces se nos olvida que esos discos ahora denominados míticos también necesitaron su tiempo para conectar con la gente, que algunos de esos discos hoy denominados “grandes” fueron en su momento vapuleados por la gente que seguía en aquellos años a esta banda pero, sobre todo, que nacieron en una época en la que la música se escuchaba y se disfrutaba mas, no como la actual, que parece que todos queramos que aquello que escuchamos nos impacte cual martillo pilón en la cabeza y el corazón en los primeros 3 acordes.

Bien, The Circle ya está en la calle, y desde el pasado martes ha habido tiempo de escucharlo unas cuantas veces ya, quizás no las suficientes como para decir que se le ha exprimido todo el jugo (ni de lejos) pero al menos si las necesarias como para tener una idea global más o menos cercana a lo que quizás en el futuro sea la opinión a dar sobre este álbum cuando nos pregunten por el, esas preguntas que en esencia se resumen en ¿Te ha gustado o no te ha gustado? Pues aquí va mi particular opinión a este respecto:

En palabras simples, creo que The Circle es (y valga la redundancia) el álbum más redondo que ha concebido Bon Jovi en toda esta década, un álbum casi sin fisuras en el cual han cogido todo aquello que en estos pasados discos desde Crush les ha funcionado y dado buenos resultados, desechando aquello que no funciono. Por ejemplo ¿Qué cosas no funcionaron en pasados trabajos? Pues así a bote pronto, esa “edulcoración” que sufría la voz de Jon en algunos temas (ojo, no confundir con bajar o suavizar el tono en las canciones) que hacía que por momentos algunas entonaciones pudieran parecer incluso ridículas. Personalmente, y bien ya fuera una forma de interpretación por parte de Jon Bon Jovi o un efecto de producción, es algo que nunca me gusto. The Circle desecha todo esto que acabo de comentar y Jon Bon Jovi nos ofrece una interpretación vocal con fuerza, por momentos desgarradora, bajando el tono cuando debe pero sin llegar a empalagar; pero sobre todo retoma su particular habilidad de conmover al oyente solo con el sonido de su voz y la fuerza de sus letras; esa habilidad que en discos anteriores se había mostrado de forma desigual, pero que en este último trabajo vuelve con fuerza (mucha fuerza) se convierte así en una de las grandes bazas de este disco, lo cual hace que nos encontremos verdaderas demostraciones vocales por parte de Jon como se puede apreciar por ejemplo en el tema “Happy Now“.

En trabajos anteriores también había cosas que no es que no funcionaran, pero quizás podríamos decir que lo hacían a medio gas. La guitarra de Sambora, por ejemplo, en estos últimos años ha sido muy criticada aunque por supuesto, es imposible obviar el grave momento personal que tuvo que atravesar Mr. Sambo y que le afecto tanto emocional como físicamente. Pero entrando en lo musical, la verdad es que Sambora nunca ha sido un guitarrista contundente, un digamos Marc Tremonti (Creed/Alter Bridge) sino que mas bien sus grandes cualidades iban encaminadas a dotar a los temas de feeling, o mas bien alma, algo que solo un guitarrista de grandes influencias bluseras puede hacer, como lo es Richie Sambora. Así, Bon Jovi nunca ha gozado, salvo en temas excepcionales y concretos (ese “Undivided” por ejemplo del álbum Bounce) de un sonido contundente o duro, sino mas bien de un sonido de guitarra sentido, no exento eso si, de grandes solos de guitarra.

En estos últimos discos, parecia que Sambora preferia mantenerse en segundo plano, haciendo que el sonido de su guitarra se diluyera en la melodia, solo para aparecer en momentos puntuales como por ejemplo los solos de guitarra; por supuesto hay excepciones, como la versión eléctrica del tema “Last Man Standing” (del álbum Have A Nice Day) pero salvo por esos momentos puntuales, bien es cierto que Sambora no brillaba, o al menos no brillaba ni siquiera a un nivel próximo al que todos los que hemos escuchado los discos de Bon Jovi sabemos que puede lograr sin ni siquiera despeinarse. No obstante, ya en el pasado Lost Highway se empezó a intuir que esa tendencia empezaba a cambiar, algo tímidamente pero ahí parecía que volvía a aparecer Sambora de nuevo…

The Circle supone su reivindicación como guitarrista solista dentro de esta banda. Ante esta declaración, muchos me podrían decir, por ejemplo que no hay solos largos y extensos a lo “Dry County”, y es cierto, pero no es necesario un solo de órdago para percibir que en este disco la guitarra de Sambora si está bien presente en todos y cada uno de los temas, aportando siempre detalles que enriquecen las canciones a poco que uno fije el oído en la melodía e intentando obviar la voz de Jon. Porque en este disco si, Sambora vuelve de nuevo a imprimir su personalidad pero sobre todo, su alma en todos los temas, colocándose por encima de la melodía en la cual yace cada canción para imprimir el feeling que necesita cada tema bien sea con detalles que enriquecen las composiciones, sentidos punteos de guitarra o (cuando llega el momento) unos cuantos solos de órdago. Para ejemplificar todo esto que comento, se podrían citar por ejemplo los temas “Work For The Working Man” ,el cual, tal y como se puede apreciar tras su escucha no tiene lo que se puede decir un “solo” en el sentido estricto de la palabra, pero si la omnipresente y distinguible guitarra de Sambora. O si se buscan momentos de lucimiento únicos para Richie, también se podría mencionar este “Superman Tonight“.

Otra acuciante pregunta a la que da respuesta este The Circle seria si se cumplen o no las declaraciones por parte de miembros de la banda y personal cercano a ellos, declaraciones todas ellas que apuntaban a que The Circle sería un gran álbum de rock. ¿Mintieron? ¿Exageraron? ¿O tienen razón?

Personalmente creo que si algo tiene Bon Jovi es rock en las venas; el problema podría venir dado a si ese rock es el que gran parte de sus seguidores esperan o desean. ¿Rock en líneas generales y sin concretar? ¿O el rock que practicaban en aquellos años 80 cuando estaban englobados en la categoría de grupos de Hard rock? ¿O quizás el rock de los años 90? ¿Un rock potente y elevado como el que se nos mostraba en el álbum Keep The Faith? ¿O quizás el rock oscuro del álbum These Days? Cada uno tendrá su particular gusto, pero debe de ser tremendamente difícil, por no decir imposible, aunar a todos ellos…

También es cierto que el rock general mostrado por la banda en discos como Bounce o Have A Nice Day era un tanto difuso; por ejemplo en el álbum Bounce nos encontrábamos con temas altamente pesados para lo que es Bon Jovi (“Undivided”, “Bounce”, “Hook Me Up“…) junto con otros mucho más lentos y (en algún que otro caso) un tanto farragosos en las primeras escuchas; es muy difícil que tras disfrutar del subidón tremendo que supone un tema como Bounce se pueda disfrutar de un tema lento y extremadamente diferente como “Open All Night“, imposible diría yo.

The Circle logra algo tremendamente difícil, que es homogeneizar los contenidos. Porque ya estemos hablando de una balada, un medio tiempo o un tema (podríamos denominar) cañero, todo el sonido general del disco está orientado a un sonido rock moderno, actual y fresco, pero sin caer en la facilidad de la que pecaban algunos temas del álbum Have A Nice Day (el ya mencionado Last Man Standing no, pero temas como “Story Of My Life” o “Last Cigarette” si…) y aunque cada tema tiene su propio sello de identidad, sus propios rasgos que los hacen distinguibles los unos de los otros y sus únicos detalles particulares, todo es homogéneo como si de un bloque de hormigón se tratara, logrando así un álbum sin altibajos muy acentuados. Por buscar una comparación, donde el álbum Bounce era una montaña rusa, este The Circle es mas como una carretera con pequeñas lomas, subidas y bajadas que se notan pero que no te hacen pasar del subidón de unos temas a una extrema desesperación de otros y viceversa.

Pero volviendo a la pregunta original, el disco The Circle ¿es un disco de rock? ¿es el gran disco de rock que se nos prometió? Yo diría que sí, primero por todo el sonido general del álbum, por detalles que ya he mencionado antes como la interpretación vocal de Jon Bon Jovi o la recuperada guitarra de Sambora, y por otros como la inmensa batería de Tico Torres, uno de los grandes protagonistas de este álbum, inmenso y que se gana de nuevo a pulso el mote de “The Hitman“, el cual logra en conjunción con la melodía nacida de David Bryan y el bajista Hugh McDonald mas la guitarra de Sambora, dotar al álbum de un sonido poderoso y grandioso (no confundir con contundente) un sonido que por momentos tiene reminiscencias de los grandes sonidos de los 80 o 90, pero sin perder la perspectiva del tiempo actual. Y aunque podríamos decir que en líneas generales todo el álbum se mueve dentro de composiciones que podríamos denominar como medios tiempos, bien es cierto que en este disco también se incluyen unos cuantos temas que elevan el tono hard del mismo, temas que en un concierto pueden ser verdaderas bombas, temas como el ya mencionado “Work For The Working Man” o “Bullet“.

Pero este trabajo también ofrece cosas nuevas con respecto a todo lo escuchado anteriormente de esta banda.

Cualquiera que haya seguido la trayectoria de este grupo, sus discos, la evolución de su sonido, sabrá que Bon Jovi nunca ha sido una banda que marcara tendencias o revolucionara el sonido de una determinada época; mas bien es una banda que se nutre de elementos de fuera y los intenta acercar a su propio estilo y gusto. El álbum The Circle no iba a ser una excepción por supuesto, y aquí podemos ver unos cuantos elementos que parecen propios de otros grupos en forma de pinceladas o leves toques. Así en algunos temas se pueden percibir algunas influencias del sonido general de U2 (“When We Were Beautiful” es la que más se podría acercar a esta comparación) e incluso si mi oído no me falla hay incluso algún toque o aire a lo Coldplay; y también algo que para mí era completamente inesperado viniendo de Bon Jovi: una introducción nacida de una base electrónica, rápidamente difuminada conforme van entrando las guitarras y la batería aunque siempre permanente en un segundo plano; me refiero al tema “Love’s The Only Rule”, tema que también posee (curioso contraste) unos sonidos de guitarra por parte de Sambora bastante afilados.

Son este tipo de influencias externas, de cosas venidas de fuera y unidas al sonido de Bon Jovi las que quizás me cuestan un poco mas de encajar y asimilar dentro del disco, aunque también es cierto que el tema “When We Where Beautiful” es uno de mis temas preferidos, y “Love’s The Only Rule” posee un sonido guitarrero bastante interesante.

Si has logrado llegar al final de este pequeño análisis del álbum The Circle, lo primero sería darte la enhorabuena por tu paciencia y empeño y también las gracias por dedicar parte de tu tiempo a leer estas líneas. Pero si has llegado hasta aquí, aparte de disfrutar por el camino de unos cuantos buenos temas, supongo que ya te habrás dado cuenta de cuál es mi opinión acerca de este disco.

Pero a modo resumen, podría decir a estas alturas que si, si sin lugar a ninguna duda, este nuevo trabajo de los de Jersey me ha gustado, y mucho, pues ofrece a mi parecer la mejor versión de Bon Jovi en este siglo XXI, con los grandes pilares sobre los que se asienta esta banda en plena forma y logrando un álbum compacto, un disco el cual ofrece desde ya unos cuantos nuevos himnos casi inmediatos para esta banda, y otros cuantos temas con verdadero potencial para serlo porque, en mi opinión, los 12 temas que forman este álbum se mueven entre la calificación de buenos temas, grandes temas y verdaderos temazos y eso, amigos míos, es muy muy difícil de conseguir.

Creo que Bon Jovi lo ha vuelto a hacer, haciendo honor a una de las frases más celebres referidas a esta banda: “Es solo rock & roll, pero me gusta“.

Así que la respuesta que yo daría a la pregunta ¿Es The Circle un gran álbum de rock? seria SI.

Por Tomás Fernández

El álbum “Humanoid” ha sido publicado en dos idiomas en todo el planeta, dejando bien a las claras la intención de Tokio Hotel de adentrarse en el mercado americano, donde ya presentara hace 2 años sus credenciales con “Scream”, y en el resto de paises donde la fiebre hotelera aún no da síntomas de epidemia.

El bilingüismo musical es un ejercicio de malabarismo muy peligroso, más cercano al suicidio que a la gloria. Intentar calzar dos textos escritos en idiomas diferentes con un misma base musical y pretender dotarlo de un mismo significado es digno de elogio. Lástima que en la práctica sea imposible. Da la sensación, que algunas cabezas pensantes creyeron firmemente, en su afán de facturar, que un álbum podía ser como un paquete de software que el usuario podía comprar o instalar en el idioma que mejor le pareciese, sin variar un ápice su contenido. Obviamente, se puede hacer una versión de un tema en otro idioma o un álbum completo como ha hecho recientemente Nelly Furtado con “Manos Al Aire”, pero la creación de un álbum en dos idiomas pasa por ser una de las pifias más grandes que se recuerdan; entre otras cosas, porque en realidad hablamos de dos trabajos totalmente diferentes bajo un mismo título.

Como ocurriera con sus predecesores  “Schrei” y “Zimmer 483”, “Humanoid” está compuesto en su versión sencilla por 12 temas, 16 en la Deluxe. En esta ocasión han contado con colaboraciones externas con reputados Hit Makers a nivel mundial. Desmond Child y Martin Kierszenbaum con un tema cada uno, Guy Chambers con dos y The Matrix con cinco, ofrecen un total de nueve composiciones que se salen de lo que hasta ahora era el patrón de Tokio Hotel.

Tras sucesivas escuchas, da la sensación que Tokio Hotel pretendía abrir una nueva etapa con “Humanoid” y claramente lo ha conseguido. Los primeros temas del disco conservan claramente las señas de identidad tokioteleras, destacando “Komm”, “Sonnensystem” y “Humanoid”. Mención especial requiere el tema “Zoom” originario del maestro Desmond Child, en el que con la única compañía de un piano, Bill Kaulitz borda uno de los mejores temas del álbum, plasmando con una pasión inusual una letra de una gran belleza. La inclusión de nuevos sonidos a partir del tema “Kampf Der Liebe”, con guiños a Depeche Mode en “Menschen Suchen Menschen”, o al Spaguetti italiano de los 80’ con “Hunde”; y la presencia de temas totalmente prescindibles como “Hey Du”, “That Day” o “Screamin’” con una simpleza que raya en el insulto; muestran el intento de cambio de rumbo de un barco, que hasta la fecha había rodado perfectamente en cuanto a material de estudio se refiere.

Las señas de identidad de Tokio Hotel en “Schrei” y “Zimmer 483” eran la perfecta conjunción de las letras de sus canciones con un claro y definido estilo musical y una imagen de grupo. En “Humanoid” la importancia de los textos pierde fuerza de manera preocupante en beneficio de una modernización del sonido y un estilo bastante difuso con más puntos en común con Lady Gaga que con sus propias raices.

Durante su corta pero intensa existencia, los germanos han tenido que luchar contra la etiqueta Emo que muchos medios se empeñaban en colocarle. En su defensa y hasta el día de hoy, el grupo alzaba la mano enarbolando la bandera del Rock. Tras la escucha de “Humanoid” y aunque hay temas, pocos, que recuerdan la esencia del grupo, da la sensación de que, o la manida respuesta va a cambiar en breve o el Rock, como tal, ha evolucionado en los últimos tiempos ampliando la pinza de lo que se considera permisible sin que nosotros nos hayamos enterado.

El concepto de grupo también ha evolucionado drásticamente. De entrada, en la contraportada del álbum ya se puede leer como Bill & Tom Kaulitz han pasado a ser nuevos Co-Producers y en los títulos de crédito aparecen en todos los temas, de la misma manera que salen los omnipresentes Dave Roth, Pat Benzner, David Jost y Peter Hoffmann. Es comprensible, hasta cierto punto, que los Kaulitz quieran pillar más tajada del pastel, si tenemos en cuenta que son los líderes naturales de la banda, pero por otro lado, deja a los otros dos miembros Georg Listing y Gustav Schäfer en un plano cada vez más secundario llegando en ocasiones a parecer meros figurantes del imperio Kaulitz. Si miramos atrás, vemos como ahora Bill es cada vez más Bill. Lo curioso del caso, es que el grupo es también cada vez más Bill.

Tras 5 días de ventas en la cadena de ventas online Amazon en Alemania, el álbum está situado en el puesto número 50 del ranking global. Un hecho negativo histórico si tenemos en cuenta los precedentes. Hay CDs que hacen olvidar todo lo publicado con anterioridad en un grupo, como si de un reset en la memoria musical se tratase. “Humanoid” provoca un efecto contrario y engrandece la sombra de “Schrei” y “Zimmer 483” haciendoles álbumes referencia e indispensables.

Podríamos rompernos las manos cual palmero y dejarnos la garganta lanzando vivas, pero mentiríamos. Tokio Hotel da un paso atrás con “Humanoid”, pero éste no es más que un álbum, de los que, salvo desastres, llegarán muchos más.

Y es que, por más que te busco, no te encuentro…

Me hizo ilusión ver un artículo en DestinoRock hace tiempo de los Metal Skool, ahora llamados Steel Panther.

La historia de este grupo es relativamente corta. Se dedicaban a hacer tributo a la música glam de los 80 y 90, siempre con mucho humor, con tanto éxito, que a sus actuaciones acudían personajes famosos del panorama musical, que no se cortaban y subían al escenario a cantar con ellos, si buceáis un poco por youtube podréis encontrar videos en directo con David Bryan (teclista de Bon Jovi) cantando “Runaway”, veréis a Pink cantando 18 and life de Skidrow y mucho más.

Pues lo dicho me hizo ilusión leer que habían sacado un disco, y como loco fui a buscarlo, pero como en España tenemos unas tiendas de música tan buenas y variadas, no lo encontré en ningún sitio, pero menos mal que aún  hay tiendas que se ofrecen a buscártelo y traértelo, eso sí, lo pagas, pero es el precio que ha de pagar una persona que aún cree y adora el formato cd y huye de las descargas.

A lo que vamos, analicemos al grupo, como ya he dicho es un glam rock cachondo, creo que es la definición perfecta, desde sus pintas, pañuelos en la cabeza y cuello, camisas rotas, y esos leotardos ajustados.

Cabe destacar que en las letras de las canciones como no, el sexo está muy presente, frases como “but my cock is community property”, “is snacking on my cock again”.

Dejando de lado que son una banda muy cómica, os invito a que antes de pararos a traducir letras o ver algún vídeo, sólo escuchéis la música y la voz, ya que instrumentalmente son muy muy buenos, es realmente música glam de los 90, si os gustaba toda aquella oleada musical, este grupo os traerá muy buenos recuerdos.

Tiene aquella baterías contundentes, esos solos de guitarra chillones, y la voz es de lo mejor que he oído últimamente, los gritos tan de aquella época son perfectos.

Me gustaría que antes de que penséis que es un grupo de cachondeo sólo, lo valoréis como un grupo glam, y luego juntamos que son unos cachondos y ya es una mezcla brutal.

Amantes del glam, por fin tenemos algo nuevo para oír. Escucharlo y ya me diréis.

Por Mr. Neizan

mrneizan@destinorock.com

Y los canadienses Nickelback vuelven a las andadas con su visión particular del Rock, sonando tremendamente frescos después de sacarle el jugo al anterior disco de una manera sobresaliente. Lo van a tener bastante difícil para superar el mutiplatino “All The Right Reasons”, pero si el público en general es capaz de apreciar el buen trabajo y la gran destreza de este grupo para interpretar el Rock de hoy en día, podríamos estar ante otro gran trabajo de la banda. Para ello va a ser necesario un poco de tiempo y, entonces, valorar el impacto que finalmente ha tenido. Aunque para un gran amante de la música en general, debería bastar con las sensaciones que el disco es capaz de despertar en su interior para saber la calidad del mismo, aunque postreramente las ventas es lo que se terminará recordando del disco en futuras generaciones.

Despues de 3 años promocionando su anterior disco, poco después del final del verano, Chad Kroeger y compañía nos volvían a intentar sorprender con otro nuevo disco de estudio. Y la verdad, que su llamativo Rock podría llenar estadios allá donde quisieran. En este caso nos encontramos ante un gran trabajo que aúna elementos para que a la postre su leyenda sea mayor que su antecesor: han sido capaces de llevar a cabo sus riffs de guitarra contundentes y también combinar esos cortes con otros mas acústicos y más lentos, quedandonles un trabajo “redondo”.

Hay que recordar que este disco ya ha sufrido feroces criticas de algunos sectores musicales, pero siempre basándose en prejuicios (como pueden existir con otros grupos) y en la ignorancia de la obra que este cuarteto ha traido hasta este punto.

Centrándonos en este nuevo trabajo, cabe destacar que la formación se ha mantenido desde el anterior disco (recordemos que su anterior batería había sido sustituido por Daniel Aldair) y que el LP ha sido producido por Mutt Lange (AC/DC, Def Leppard).

En cuanto a lo que nos podemos encontrar, lo podríamos definir de una forma muy categórica: un gran disco de Rock. Como dice un dicho castellano “para gustos los colores”, pero creo que después de varios grandes trabajos, son una banda a tener bastante en cuenta en el panorama Rock mundial y se han consolidado haciendo lo que mejor saben hacer: buen Rock. Profundizando mas en el trabajo, nos encontramos ante cortes de distinta “factura”: canciones de Rock duro con grandes riffs, canciones acústicas que generan gran contraste y que demuestran que no solo son buenos manejando las guitarras elétricas y temas más lentos que harían disfrutar a cualquier “amante” de las baladas. El cuarteto han sabido conjugar esos elementos con grandes dosis de ingenio y de su visión particular de la música, para dar lugar al “nacimiento” de esta gran obra.

Ahora pasaremos a “sumergirnos” y diseccionar alguno de los temas que lo componen:

- “Gotta Be Somebody” à single adelanto del disco que deja un buen sabor de boca y en el que se puede identificar la huella del cuarteto canadiense. Estamos ante un magnifico medio tiempo de Rock melódico en el que ante todo nos intentan impactar con su letra: en nuestra vida todos buscamos alguien con quien compartirla, alguien con el que te sientas seguro, alguien con quien hablar, sufrir, amar… alguien que sea “tu alma gemela”, que te entienda con un solo gesto. Esas personas existen, pero hay que ser paciente y saber que los sueños se cumplen.

- “I’d Come For You” à Otro de los singles del disco. Este es otro medio tiempo-balada en el que se ha sabido crear una atmósfera de oscuridad, de transportarnos a momentos duros, a momentos tristes en la vida de toda persona. Es simplemente un afirmación categorica que muchos tenemos por gente de nuestro entorno: “ire por ti, estare allí donde me necesites y sere la mano que te saque de los malos momentos, daría la vida por ti si para ello consiguiera hacer tu vida mejor”.

- “Something In Your Mouth” à otro de los singles. Cancion de Rock duro donde las haya, en la que se demuestra que el grupo no se ha dormido en los laureles con este nuevo disco y que quieren seguir dando guerra. Grandes riffs de guitarra y una batería que marca la pauta durante mucha parte del tema. Un tema que seguramente ponga al publico de pie y con ganas de disfrutar de grandes shows de la banda.

- “If Today Was Your Last Day” à medio tiempo en el que encontramos un mensaje claro: “¿Qué pasaría si este día fuera el último que estuvieras entre toda tu gente?, ¿darías lo que fuera por los demás?, ¿vivirias el día a día sin pensar en el mañana ni en el ayer”. Un tema con el que seguramente mucha gente se identifique y que puede suponer la filosofía de vida de otros muchos: el vivir el día, disfrutar del momento, sin pensar en nada más que pensando en que puede ser el último día que puedas disfrutar y poder decirle a los demás lo que suponen para ti. Tema que sus momentos álgidos llegan en los estribillos con una rítmica muy marcada con riffs de guitarra poderosos y una batería que no descansa, coincidiendo con las partes en que se nos quiere remarcar que haríamos cada uno.

- “This Afternoon” à tema “fiestero”, en la que tiene mayor presencia la acústica y demás instrumentos (más que las guitarras eléctricas). Corte del disco que no es más que una reafirmación de lo anterior: el disfrute con los amigos, el pasar tardes de felicidad, de diversión, sin más finalidad que olvidarse de los problemas y de no pensar en lo demás. Aparte, la ambientación del mismo da lugar a un sentimiento de “buen rollo”

Aparte de estos temas, podemos encontrar:

- Otra balada, “Never Gonna Be Alone” à una preciosa canción lenta en la que podemos encontrar un gran mensaje: nunca te dejaré solo/a; siempre estaré ahí y no te dejaré caer; tema que crea sentimientos de romanticismo, de pensar en aquella gente en la que estaríamos dispuestos a dar todo y estar ahí cuando nos necesitaran; la parte instrumental del tema ayuda a profundizar en esa temática.

Y otros buenos y enormes temas de rock duro como:

- “Next Go Round” à una canción que pudiera estar firmada por cualquier banda de heavy, y que da una idea de que este cuarteto canadiense no tiene límites y que en cualquier momento podrían explorar llevándonos grandes y gratas sorpresas de sus condiciones en este terreno; tema muy recomendable para aquellos amantes de una música más “dura”.

- “Just To Get High” à tema que en un principio podría parecer un medio tiempo, pero que al llegar al primer estribillo nos da una “bofetada” del Rock que son capaces de hacer; grandes riffs, un buen solo y una batería siempre presente como en la mayor parte del disco; la temática habla sobre que una vez tocado fondo solo se puede hacer una cosa, “ir hacia arriba”, prepararse para mejores momentos y que una vez pasado un mal momento, solo pueden ir las cosas a mejor

- “Burn It To The Ground” à otro tema perteneciente al Rock duro, que nos hace ver que muchas de las críticas recibidas por este disco no se sustentan, y que si de algo puede pecar este grupo es de versatilidad, de poder moverse dentro de los límites del rock sin que desentonen sus temas en su propio estilo; “Track” de guitarras pesadas que harían disfrutar a cualquier amante de la buena música.

- Y “Shakin’ Hands” y “S.E.X.” à dos temas en los que se puede observar que para hacer una buena canción de Rock se pueden tomar varios caminos, y no tiene porque canción rockera ser sinónimo de canción rápida con una presencia marcada de guitarras, también puede ser un tema de guitarras eléctricas en el que destaque mucho el bajo (Shakin’ Hands) o un tema en el que se “hecha más leña al fuego” y se pretende poner al rojo vivo el show (S.E.X.) y llegar al “éxtasis”.

De esta forma nos hemos sumergido en las entrañas de este L.P. intentando demostrar al respetable que ante la música solo existe una actitud: quitarse prejuicios y sentarse a escuchar y a disfrutar de la buena música, lo cual a la larga apreciaremos, ya que en algún momento nos servirá para encontranos con uno mismo y con todos aquellos sentimientos que podamos haber olvidado que sentíamos en algún momento. La buena música es aquella que es capaz de ponernos los bellos de punta y hacernos poner en la piel de otro o de vernos reflejados en la historias que estos artistas nos revelan en sus canciones.

Y Nickelback pertence a ese selecto grupo de artistas que son capaces de eso: de hacer emerger los sentimientos más profundos de cada uno, levantarnos de la silla, aplaudir y reconocerlos que son capaces de cualquier cosa. Espero que el tiempo les reconozca como lo que son, una gran banda de rock, y que el público en general tenga paciencia con ellos y sean capaces de “explorar” y valorar debidamente su música, independientemente del género musical.

Por Sergio Nozal Calvo
sergio@destinorock.com

A pesar de los rumores, en 1992 la banda de Nueva Jersey volvió a dar señales de vida. Pero eran nuevos tiempos, y ya no se llevaban tanto los pelos largos cardados y las mallas agujereadas. Un cambio de look para presentar un nuevo sonido. Menos ochentero. Más acorde a la época. Muy criticado. Este “Keep The Faith” es un punto de inflexión en el éxito de la banda. Separa a seguidores, y a la vez añade nuevos.

La portada del disco presenta cinco manos. Sus cinco manos a modo de consigna de banda o de amigos. Cinco manos que defienden un lema: “Mantener la fe”. Puede sugerir distintas opiniones o, tal vez, sólo escogieron el título de la canción con la que se presentaron de nuevo ante esas personas que temían una disolución.

El tema que abre el trabajo es “I Believe”. “Con cada respiro, tú y yo podemos convertir un susurro en un grito” es una de las frases destacadas de este tema. Tal vez esa sea la razón por la que lo primero que escuchamos es un grito entre murmullos, instrumentos y la melodía con la que la comienza a la canción. Es, además, el primer tema en el que nos encontramos con la importancia de la palabra “Alma” en la vida. Una vida en la que hay que tener muy presente que lo único que nos puede sacar de problemas y apuros es uno mismo.

Y después de creer, siguen insistiendo en que nunca hay que perder la fe. “Keep The Faith” fue el sencillo con el presentaron el trabajo. Un tema que habla de la necesidad de seguir adelante cuando parece que todo está perdido; de la necesidad de amar y odiar; pero, a su vez, necesidad de no alterar esos dos sentimientos y tratar de no convertir el amor en odio. Perdón, ánimo, desolación, creencia, abandono, fuerza… Fe.

“I’ll Sleep When I’m Dead” es el siguiente corte del disco. Cambia un poco el registro musical, sin dejar de sonar a rock. Una canción divertida. Tienen ganas de fiesta y te invitan a participar.

“In These Arms”. Está compuesta por Jon Bon Jovi, Richie Sambora y David Bryan. El resultado es una preciosa canción que habla de la necesidad (casi desesperación) de estar con la persona amada esa noche. Por su temática pasional y/o romántica podría decirse que es una balada con mucha fuerza, pero los entendidos en música no la califican así. A mi juicio personal, es uno de los mejores temas que ha compuesto esta banda, y no puedo evitar destacar los gritos de Jon terminando la canción.

“Bed of Roses” es otra balada perfecta, que gana mucho musicalmente gracias al piano de Bryan, y el solo de Sambora. Este último está, excelentemente, destacado en el videoclip. A pesar de que no se le puede negar que es de contenido romántico, no hay que olvidar que relata las palabras de un infiel.

Con “If I Was Your Mother” vuelven a sonar baterías y guitarras recordando que son un grupo de rock.

“Dry County” es uno de los temas a destacar de este trabajo. No sólo por la letra, también por la melodía y sus casi diez minutos de duración, de los que no sobra ni un segundo. El teclado da paso a la voz de Jon que cuenta una desoladora historia, en la que desvela que la vida no siempre es bonita. Además, el videoclip de este “Condado Seco” es de los mejores que han realizado hasta la fecha.

“Woman In Love” cambia totalmente la temática y la melodía respecto a la anterior. Se trata de otra canción divertida que, entre bromas y algún que otro comentario irónico, canta a la mujer cuando está enamorada.

“Fear”. Eso que siempre se siente en algún momento determinado, también tiene su hueco en este disco. De vez en cuando es necesario reconocer y gritar que se tiene…Miedo.

“I Want You” es, tal vez, la balada más pobre del disco, si se la compara con las anteriormente comentadas. De todas maneras, no se puede decir que no es una bonita declaración de amor, en la que Jon se luce vocalmente hablando.

La siguiente canción es una declaración de principios o de culpabilidades. En “Blame It On The Love Of Rock & Roll” vuelven a hablar de amor, sí… Pero a ritmo de baqueta limpia sobre los platillos y tambores de la batería no se declaran ante una mujer. Están enamorados de las guitarras, de las canciones, de un sonido… del Rock.

“Little Bit Of Soul” cierra este trabajo en más de un lugar del mundo. Por lo tanto, se puede decir que este disco se abre con una mención al alma, y se cierra con una canción dedicada a ella. Puede que todo esté mal: robos, abusos, crucifixiones, sacrificios, confusiones, engaños…. Sólo hay una cosa que puede ganarles la batalla: Un poquito de alma.

En Europa, sin embargo, Bon Jovi no cerró el álbum solicitando “alma”, sino una plegaria. Es muy difícil que alguien no se haya sentido traicionado, solo, abatido o simplemente no se haya quejado por algo. “Save a Prayer” comienza siendo una queja y termina siendo un canto al verbo “Sentir”.

Por Esperanza Sáinz
esperanza@destinorock.com